Muses

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Esprit and Eros

Ambrosial Is the Muse’s Kiss

“Tell me, O Muse, of that ingenious hero who travelled far and wide …” – this is the invocation with which Homer (ca 700 BC) begins his Odyssey. The blind singer was clearly not totally blind to female allure, or at least not to feminine esprit.

 

The first female to succumb to an artistic affection was the poet Sappho (ca 630 to 570 BC), who is still regarded as one of the most brilliant female poets of all time, and who Plato described as the “tenth muse.” Those not so well-read mostly know her as the originator of lesbian love, although legend has it that she threw herself to her death from atop the Leucadian cliffs due to her unrequited passion for the handsome ferryman Phaon. Like many highly erotic women, Sappho was probably bisexual, a suggestion backed up by some of her verse. A disposition well worth imitating, since bisexuality (as Woody Allen remarked) doubles one’s chances of a date.

In the 21st century, we have the luxury of being able to book muses, rather than having to worship them. Men and women on business who want to use their scarce free time to relax creatively can allow a muse to accompany them to the theater, a concert, or dinner: with the possibility of an erotic revelation. But more about that later.*

Dante’s Muse Was a Minor

Dante Alighieri (1265 to 1321), Italy’s greatest poet and creator of The Divine Comedy (La Divina Commedia), discovered in his own experiment what Sigmund Freud (1856 to 1939) groundbreakingly lauded as sublimation: the human ability to turn its most powerful motivation, the sex drive, into artistic or scientific performance. Dante fell in love with the eight-year-old Beatrice Portinari the moment he set eyes on her. And when the object of his adoration died at the age of 24, he made her immortal in his work. Dante never had physical contact with her; he never even spoke to her. The motives of a mathematics tutor at Christ Church College in Oxford by the name of Charles Lutwidge Dodgson (1832 to 1898), who became world famous as Lewis Carroll, had less to do with courtly love. He chose the daughter of the deacon of Christ Church as his muse, and, while on a boat trip with picnic, the 13-year-old Alice Liddell inspired him to tell wonderful stories that later appeared in book form as Alice in Wonderland. Honi soit qui mal y pense!

“To call Charles Dodgson a pedophile is not only to misapprehend and diminish the nature of his relationship with Alice Liddell but to deny its complexity, its depth, and its essential singularity,” claims Francine Prose in The Lives of the Muses (2004). However, some of the photos of his child muse that Lewis Carroll presents to us indicate a less twisted state of affairs. They certainly seem to show a young seductress, and perhaps also one who has been seduced (which does not mean that the writer and muse allowed more than fanciful imaginings to develop). Let’s call it platonic love.

Alice Liddell, 1859. Photo by Charles Dodgson (Lewis Carroll), © de.Wikipedia.org
Alice Liddell, 1859. Photo by Charles Dodgson (Lewis Carroll), © de.Wikipedia.org

Chaplin’s Muse Gave Birth at 15

“Platonic” is not a word you could use to describe the love between Lillita McMurray and Charlie Chaplin. The “King of Comedy” married his young muse in 1924, informing the press that she was 19. In fact, she was only 16, and 15 when she gave birth. Chaplin met Lillita when she was 12 years old, and intended to turn her into a movie star named “Lita Grey.” But rather than making an impression with cinematic performances, she bore Charlie two sons. Even when the second was born, she was still underage, and the brilliant father already 35. Lillita = Lolita? It’s no great leap to suggest who may have been the inspiration for Vladimir Nabokov’s drily humorous novel Lolita.

Since his amorous adventure with Lillita cost “The Tramp” a million dollars in compensation and endangered his career, Chaplin was more careful of timing when choosing his next partner. On May 14, 1943, at the age of 54, Chaplin married Oona, the beautiful daughter of the playwright Eugene O’Neill (1888 to 1953) and former muse of writer Jerome David Salinger (1919 to 2010), author of the best-selling The Catcher in the Rye. Oona O’Neill celebrated her birthday on the day of her marriage to Chaplin – she had just turned 18.

Virginia Eliza Clemm was just 13 when she married the 27-year-old Edgar Allan Poe (1809 to 1849), inventor of the horror story, on March 16, 1836. Her muse’s kiss was a gift typical of his genre for her husband, as she passed away aged 24: enlivened by grief and posthumous desire, Poe wrote his two best poems – “Annabell Lee” and “The Raven.” To quote the latter: “’Tell this soul with sorrow laden if … It shall … Clasp a rare and radiant maiden, whom the angels name Lenore?’ Quoth the raven, ‘Nevermore.’”

Muses Wither in the Cage of Marriage

One of the maxims of Pablo Picasso (1881 to 1973) was, “Behind every great man is a loving woman, and there is a lot of truth in the saying that a man cannot be greater than the woman he loves and who allows him to be great.” He remained faithful to it, but not to his women. Fernande Olivier (1881 to 1966) was already a mother and once-married when she met the genius in Paris in 1904. She inspired him as a nude model and muse until Picasso married the ballet dancer Olga Koklowa in 1918. Marie-Therese Walter, who became his lover in 1927, probably fascinated Picasso primarily because she was his female counterpart: a powerful, hammer-nosed example of the era of his neoclassic oeuvre. At the same time, he was married to the photographer and painter Dora Maar (1907 to 1997), whose artistic development he jealously impeded. Frequent marital quarrels ended the relationship – and inspired Picasso to create his best works: the Weeping Woman portraits, including his monumental memorial Guernica (1937), which, alongside Desmoiselles d’Avignon (1907), is considered his magnum opus.

Françoise Gilot was Picasso’s muse for ten years from 1943. Gilot summed up this period of her life by saying that, like the “Maid of Orléans,” she had to “wear her armor day and night” in order to hold her own. He let her know that for him it was “really more fun to go to a brothel.” Why didn’t she kick him out there and then? According to Gilot, “In the long run, you can’t reject someone like Picasso; a woman is powerless against Picasso.” Which makes sense, given that the maestro liked to paint himself as a powerful Minotaur or fighting bull. In 1961, at 80 years old, Pablo fell in love again, and married the beautiful 46 years younger Jacqueline Roque (1927 to 1986). Like Marie-Therese Walter, she endured the love life of the legendary macho figure, but not his death. Both muses paid posthumous homage to him through suicide. “There are only two kinds of women,” scoffed the man made immortal by his art, “goddesses and doormats.” Muses who marry are often not spared this metamorphosis.

That is something that Alma Mahler-Werfel (1879 to 1964) also experienced, after she married the 41-year-old conductor and composer of the century Gustav Mahler at the age of 22. The music student sensed that the vertically challenged and unhealthy Mahler was a titan in musical terms earlier than the contemporary Viennese cultural scene did. But he would not tolerate foreign gods alongside him – and certainly not a goddess. “How do you imagine a married couple of composers to work?” he blustered in a letter from 1901. “Do you have any idea how absurd such a peculiar rivalry must become, and how detrimental it will be to us later?” Shortly before their marriage, Alma had inspired the great Gustav to an orchestral work that would accelerate the composer’s path to international renown with its use as the Adagietto from his Fifth Symphony in 1901 and the film music for Luchino Visconti’s Death in Venice in 1976. However, in the role of Mahler’s spouse, the muse Alma was assigned a crib rather than a piano with which to find self-fulfillment.

When Alma married the Bauhaus founder Walter Gropius in 1915 and then the poet Franz Werfel in 1929, she was both older and smarter than her husbands, who were grateful for her muse’s kisses. In 1912, shortly after Mahler’s passing, she began a stormy affair with Oskar Kokoschka. The sensual Alma promised the cloddish, but artistically and sexually extremely impressive, expressionist “I will marry you as soon as you paint a genuine masterpiece.” Kokoschka bought a canvas larger than a queen-sized bed and, in 1914, did in fact create the best work of his life: The Bride of the Wind. But Alma had no intention of allowing herself to be tied down in marriage to this savage beast, who was enraged with jealousy, who brought a drama called Murderer, the Hope of Women to the stage, and who declared his belief in the phrase (admittedly intended purely as a provocation): “Either be God or a criminal!”

But when Alma’s daughter Manon Gropius died of polio in 1935, her muse’s kisses, though drowned in tears, brought about another creative miracle: Franz Werfel honored the seventeen-year-old’s memory in literature, while Alban Berg did so in music. With his violin concerto, he succeeded in producing the most beautiful and poignant work yet spawned by the twelve-tone technique.

Cosima Wagner (1837 to 1930), the daughter of composer and Mephisto pianist Franz Liszt, seemed to Richard Wagner (1813 to 1883) to be the embodiment of the muse he had long sought: highly musical, more intelligent than most men and women of her time, self-confident, and energetic. An incarnation of the holy Elisabeth (from Tannhäuser) and Isolde (from Tristan and Isolde) with the passion of Venus – if such a thing is possible. But Cosima did not develop into Aphrodite, not by any stretch of the imagination. Rather, she turned out to be an anti-Semite and a precursor to Hitler, whom she wrongly believed to be a new God-like figure. This also set the reputation of Richard Wagner, the most intellectual of all composers, on the worst course imaginable.

In comparison, the muse’s kisses of Mathilde Wesendonck (1828 to 1902) were of great benefit to Wagner’s self-fulfillment. She was a poet, who appreciated Wagner’s daring compositions and his passionate lover’s oaths. Richard dedicated the Wesendonck Lieder to her, the most beautiful of which (with the catchy title “In the Greenhouse”) the deeply-in-love composer chose as the leitmotif of his opera Tristan and Isolde (first performed in 1865). Wagner’s avowal of love for Mathilde reaches its climax in “Isoldes Liebestod” (Isolde’s love death), the first musical representation of an orgasm.

Elizabeth Siddal, painting by Dante Gabriel Rossetti, 1866, © Tate Gallery London
Elizabeth Siddal, painting by Dante Gabriel Rossetti, 1866, © Tate Gallery London

As fate would have it, Elizabeth Siddal (1829 to 1862) was chosen by the English poet and painter Dante Gabriel Rossetti, a man talented and meditative in equal measure, to be the muse of the Pre-Raphaelites, a group of artists who followed the example of the early Renaissance period. “Lizzie” was a milliner with a working-class background. But, inspired by her porcelain-white skin, waist-length titian hair, and elegiac grace, the Pre-Raphaelites transformed the chaste girl into a sophisticated beauty of glorious bygone days. For them, “Lizzie” was at times Shakespeare’s Ophelia, at others Beatrice, who died young but was the lover of Dante, with whom Rossetti (a man averse to modesty) gladly identified himself.

They married when she was 17 and he 22, but soon realized that illusion does not make a good basis for a happy marriage in reality. Consequently, he drowned his sorrows in alcohol, she hers in laudanum, a tincture of opium, which killed her aged 33. Rossetti, who was also a good businessman, had his muse buried along with his sonnets and spread word that she appeared to him at night. In 1869, he ordered his agent Charles Howell to secretly dig up the grave, save his manuscripts, and spread the rumor that the beautiful Elizabeth’s corpse had not yet decayed and that her hair had continued to grow and filled the entire coffin. He then went even further and created a new masterpiece, Beata Beatrix (1863–1870), again romanticizing his beloved as Dante’s Beatrice.

Do Intelligent Muses Kiss Better?

Can we consider Frida Kahlo (1907 to 1954) to be the muse of the Mexican painter Diego Rivera (1886 to 1957)? Or did the creative impulse work the other way round?

In their lifetimes, Rivera was considered Latin America’s most important painter, very much on a par with Pablo Picasso. But when he is spoken of today, it is mostly as the husband of Frida Kahlo. When they married in 1929, she was a 22-year-old medical student and he (twice her age) was already Mexico’s living national treasure. Due to a tram accident, in which a rail gouged Frida’s abdomen, she was unable to ever have children. But Diego taught her to be fertile in other ways: as an artist. In return, Frida, a committed communist, motivated Diego to create monumental murals in the name of Mexico, freedom, and The Party.

In public, she appeared as the delicate “dove,” and he as the “elephant,” who threatened to crush her and betrayed her with other women at every opportunity – even with Frida’s sister Christina. For her part, Frida, who herself was certainly no chastity belt–wearer, also let her passions run free. Her lovers were always older men bent on immortality, such as the poets André Breton and Pablo Neruda, the sculptor Isamu Noguchi, the cinematic genius Sergei Eisenstein, art collector Heinz Berggruen, and Josef Stalin’s adversary Leo Trotsky (“A tempestuous woman!”).

Vaginal sex was, of course, out of the question for Frida. But, when reproduction is not necessarily the aim of the activity, there are plenty of ingenious ways to play with sensuality. In this vein, Frida also enjoyed lovemaking with women, including the film stars Dolores del Rio and Paulette Goddard, as well as the beautiful Tina Modotti, muse of the famous photographic artist Edward Weston and a woman who was a notable photographic reporter in her own right. You may well remember the captivating scene in Julie Taylor’s film Frida (2002), in which Salma Hayek (as Frida Kahlo) and Ashley Judd (as Tina Modotti) dance the most erotic tango in cinematic history.

“We are just lumps of clay compared to her. She is the greatest painter of this era,” said Diego Rivera in summary. Without doubt, the fragile girl in Tehuana dress was in fact a very, very strong woman.

“Lou is as sharp as an eagle, as brave as a lion, and in the end still a very girlish child.” This is how Friedrich Nietzsche described the young writer Lou Andreas-Salomé, whom he met in Rome in 1882. Like his fellow philosopher and friend Paul Rée (1849 to 1901), Nietzsche (1844 to 1900) was initially impressed, then intoxicated, and finally completely befuddled by the 21-year-old Russian-German-Danish beauty. Lou, a bewitching Circe, well-educated and charming as she was, knew how to turn the heads of intelligent men and bring them to the point of despair. “Tonight I will take so much opium that I will lose all reason,” groaned the love-stricken Nietzsche. An emancipated woman, who is not seducible, but rather seduces, was a shocking thing to experience at the end of the 19th century. It was a feeling that, until that point, men had only had to endure at the opera, in George Bizet’s Carmen (first performed in 1875 in Paris).

“This bony, dirty, stinking she-ape with her false breasts – a disaster!” ranted Nietzsche, against his better judgment and desire. At about the same time, he admitted to his friend Rée: “We are friends, and I will keep this girl and her trust in me sacred. – In any event, she has an incredibly sure and pure character.” Lou had, after all, inspired Nietzsche to write Thus Spoke Zarathustra (1883–1885), which included the lines, “You go to women? Do not forget the whip!” A photograph from the time, however, shows that Lou was the one who cracked the whip.

Lou Andreas-Salomé with Paul Rée and Friedrich Nietzsche, unknown photo studio, Zurich, 1882
Lou Andreas-Salomé with Paul Rée and Friedrich Nietzsche, unknown photo studio, Zurich, 1882

When Lou, then aged 36, met the 21-year-old René Maria Rilke, whom she called Rainer, in Munich, she wooed the “shy boy with the beautiful eyes” with both her words and her actions. Rilke was still a virgin at the time, but that soon changed. Lou improved the style of Rilke’s early writings and encouraged him to learn Russian so that he could read Tolstoy and Turgenev in their original form. At the turn of the century, they went on two trips to Russia. “I want to see the world through you: for then I will see not the world but always and only you, you, you!” he wrote. With so much love, Lou had soon had her fill of Rainer, not least as he became more and more clingy, and bothered his beloved with crying fits and “anxiety attacks and physical seizures” that made her worry about his mental health, as she noted in her memoirs.

Concerning herself with the minds of others proved to be the greatest talent of Lou Andreas-Salomé. In 1911, she enjoyed an intense amorous adventure in Sweden with neurologist Poul Bjerre, who was 15 years her junior. He introduced her to Sigmund Freud (1856 to 1939). Freud, five years older than Lou (1861 to 1937) and still in his best years, sublimated the sexual attractiveness that Lou still exerted into professional interest – which saved him a great deal of heartache and brought him valuable insight: “The last 25 years of this extraordinary woman’s life belonged to psychoanalysis, to which she contributed valuable scientific works and which she herself also practiced. It’s not going too far to admit that we all considered it an honor when she joined our ranks of colleagues and fellow combatants …”

In the case of the beautiful Lou, he even mercifully overlooked the fact that his muse also made eyes at the theories of his rivals, C.G. Jung and Alfred Adler (a deadly sin from a Freudian point of view).

Sense and Sensuality of Modern Muses

Anaïs Nin (1903 to 1977) became world famous through her diaries and their erotic revelations. To her posthumous chagrin, she still would not be described as a great writer – but she was a great muse. Together with her husband, the banker and art patron Hugh “Hugo” Guiler, the young sophisticate, who spent her youth in Havana, Paris, Berlin, Brussels, Barcelona, and New York, met the ambitious but as yet unknown American writer Henry Miller (1891 to 1980) and his wife June in Paris in 1931. The most rakish amorous escapade in the history of literature thus far developed from the spontaneous ménage à trois involving June, Henry, and Anaïs.

They were both enthusiastic readers of the novels of D.H. Lawrence (including Lady Chatterley’s Lover), which advocated his theory that only uninhibited sexuality could blast open societal constraints. With Miller’s novel Tropic of Cancer (1934), the maestro and his two muses proved that they were the better blasters. The novel was immediately banned in the USA and the United Kingdom due to its obscene content, which catapulted it to a long-term spot on the best-seller list.

Above all, Anaïs gave wings to the career of the increasingly successful author not through her orgiastic revelations, but by helping him bring his brazen stories to the page. She discussed each passage with him, proofread, wrote a foreword, lent him her typewriter, and paid printing costs. Miller, intoxicated by sex and success, carried on writing: Black Spring (1936) and Tropic of Capricorn (1939) are works in which the phallic and the philosophical complement one another. In Quiet Days in Clichy (1956), he depicts an adventure that may have seemed to him like the first conquering of the mons veneris. He states: “Sex is one of the nine reasons for reincarnation. The other eight are unimportant.”

The experiences of Anaïs Nin are spread throughout her 15 diaries (1914 to 1974), primarily in Henry and June: From the Unexpurgated Diary of Anaïs Nin (1931 to 1932). She certainly wasn’t a writer of the same rank as Marguerite Duras, who brought out the autobiographical novel The Lover. With intelligent self-effacement, she herself admitted that “the role of the muse in mythology was always that of inspiration.”

The 23-year-old American Lee Miller was unerring in her path to the Parisian Bateau Ivre to offer her professional services to Man Ray in 1929. “No, thank you,” was the reply – he didn’t need an apprentice and was about to go traveling. The beautiful Lee looked deep into the bulging eyes of her future mentor, and sassily replied, “OK, then I’ll come with you.” They remained a couple for three years. She served her compatriot, 17 years her elder, as an assistant, model, muse, and lover. He, originally a painter, benefited not least from the technical accomplishment of the photography student: when Man Ray accidentally let light shine on undeveloped negatives in his darkroom, Lee experimented with him until the initial mishap had been transformed into a muse’s kiss. The idea of the “Rayograph,” which made Man Ray’s photos unmistakable, was born. The elite of Montparnasse – from Marcel Duchamp to Pablo Picasso – soon included Man Ray (born Emmanuel Radnitsky) in their circle. He was the first photographer whose work was truly judged to be art.

But the insatiable Man Ray also accepted the kisses of other muses and models, such as the androgynous artist Meret Oppenheim (1913 to 1985) and the lively “Kiki de Montparnasse” (Alice Prin, 1901 to 1953). Both models helped him to create more effective images (Le Violon d’Ingres with Kiki became Man Ray’s most expensive work), as Lee Miller’s beauty was already so complete that art barely had anything to add. One exception is a double portrait showing Lee sitting like a young girl in the lap of her grimly frowning father (whose sexual victim she became at the age of seven).  But even before she got to know Man Ray, Lee was an in-demand fashion model for Vogue and Vanity Fair. And after they separated, she developed into a coveted fashion photographer and photographic artist. She played the female lead in Jean Cocteau’s film The Blood of a Poet (Le Sang d’un Poète). However, she reached the peak of her career as a photo reporter during the Second World War, which, among other aspects, included harrowing documentation of events at the concentration camps at Buchenwald and Dachau.

In 1947, having married the surrealist artist, art historian, and publicist Sir Roland Penrose (1900 to 1984),Lee Miller moved to an English farm with him, became a mother, and renounced her artistic activity. Lee, who in her later years developed as an excellent chef and food author, then inspired their artist guests (who included Max Ernst, Paul and Nusch Éluard, Kurt Schwitters, Antoni Tàpies, and last, but not least, Man Ray) with gourmet pleasures.

Yoko Ono (*February 18, 1933, in Tokyo) is suspected to be responsible for two significant acts – had she never delighted John Lennon (1940 to 1980) as a muse, he would probably: 1) never have become immortal as an artist; and 2) not been murdered on December 8, 1980. Because Yoko’s muse kisses gave wings to the works of her Beatle, and changed them to such a degree that the popular but trite pop bard became a critic, preacher, and agitator.

Shortly after their wedding on March 20, 1969, Yoko and John staged their first “bed-in,” a PR campaign for peace. John said, “We knew our honeymoon was going to be public anyway, so we decided to use it to make a statement. We sat in bed and talked to reporters.” At the second bed-in, in May 1969, they also recorded their single “Give Peace a Chance.” And at Christmas, the committed couple organized a poster campaign – “War is over – if you want it!” Encouraged by the theory of the psychotherapist Wilhelm Reich (1897 to 1957) that sex and uninhibited love could lead to altruism and world peace – even to global revolution – the couple supported numerous liberal and radical movements: campaigning for, among other things, the withdrawal of American troops from Vietnam, civil rights of black Americans and American Indians, and the Black Panthers.

Yoko even inspired – or practically indoctrinated – John musically. Her influence could be seen as early as The White Album, released in 1968. And the legendary “Imagine” is unmistakably the brainchild of both. According to Paul McCartney, he didn’t blame Yoko for The Beatles breaking up (1971). In fact, John was no longer fulfilled by the collaboration. His existential crisis initially manifested itself in drug taking, then turning spiritually to a charlatan Indian guru. His Beatles era had brought him fame and fortune, but had not sated his hunger for relevance. Being “more popular than Jesus,” was no longer an attractive aim for him, as he recognized the triviality of his actions: “I resent performing for … idiots who won’t know – who don’t know – anything.”

One of those idiots, by the name of Mark David Chapman, had John sign a record in front of the New York Dakota Building (where Yoko Ono still lives), and then shot him.

Long-lasting happiness can never really blossom alongside geniuses, supermen, and egomaniacs – especially not that of a sensitive muse. That is why muses’ kisses are fleeting, their marriages unstable. When the Brit Jane Birkin (*1946) met the happy-go-lucky writer Serge Gainsbourg (Lucien Ginsburg, 1928 to 1991), an amour en passant illuminated by ephemeral joy developed.

The liaison began with a song that Gainsbourg had written for his lost lover Brigitte Bardot. But the sex idol, at the time already married to Gunther Sachs and on the way to a life of leisure among the upper classes, took offense at Gainsbourg’s innuendos. “Je t’aime … moi non plus” (“I love you … me neither”) portrayed, charmingly but shamelessly, the loving whispers of a couple having sex. Jane, more like a high school student than a sex bomb, lent her little-girl voice to the track. The frivolous spark spread like wildfire: flames of enthusiasm among the educated youth, who were tired of hearing beat music and brainless bum-bum-bum tunes, and the hellfire of fanaticism among the self-proclaimed righteous and godly, for whom the idea of sex was apparently even more abhorrent than the Holocaust.

The Vatican excommunicated the record producer and numerous radio stations refused to play it. But “Je t’aime” sold over a million copies regardless, and Jane and Serge were suddenly famous. In 1975, Gainsbourg and Birkin made a film with the same title for all those who wanted to watch as well as listen. The couple became the darlings of the Saint-Germain intellectuals, and soon of a worldwide jeunesse dorée that lusted after airiness without shallowness.

The duo continued their successful frivolity with “La Décadanse.” In the same year, the first concert album followed in the shape of Histoire de Melody Nelson. Further success was restricted to France, and included “Baby Alone in Babylone,” “Les Dessous Chics,” and “Fuir Le Bonheur.”

After splitting from Gainsbourg, Jane Birkin played movie roles that brought admiration from cineasts: under the direction of names such as Agnès Varda, Jacques Rivette, and her future husband Jacques Doillon. After Serge’s death in 1991, Jane sang a song in the Casino de Paris that evoked memories of their love, beginning “Amour cruel – comme en duel” (“Cruel love – like a duel”).

Nota bene: Your faithful muse will fulfill many of your desires – just not that of marriage.

Greta Brentano

Except quotations marked by “quotation marks,” this text does not include any verbatim reproductions of other publications.

The following further reading is recommended:

Francine Prose, The Lives of the Muses, © 2004 Nagel & Kimsche from Carl Hanser Verlag, Munich and Vienna

Annette and Luc Vezin, The 20th Century Muse (Egérie dans l’ombre des créateurs) 2002 Édition de La Martiniére, www.knesebeck-verlag.de

Farid Abdelouahab, Muses: Women Who Inspire, © 2012 Flammarion – amazon

 

* Twelve equally charming and sensitive modern-day muses can be found at: www.greta-brentano.de and www.greta-brentano.com.

 

 

 

Musen

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Esprit und Eros

Köstlich ist der Musenkuss

„Sage mir Muse die Taten des vielgewanderten Mannes …“- mit dieser Anrufung lässt Homer (ca. 700 v.Chr.) seine „Odyssee“ beginnen. Der blinde Sänger war wohl nicht ganz blind für weibliche Reize, zumindest aber nicht für femininen Esprit.
Neun Musen kannte die Antike: Nymphen, die den Dichtern und Dramatikern, den Geschichtsschreibern und Philosophen wie auch den Astrologen dazu dienen sollten, ihre schöpferischen Fähigkeiten aufzumöbeln. In späterer Zeit haben erlauchte Geister weniger erfolgreich versucht, diese launischen Geliebten durch Alkohol und Drogen zu ersetzen, denken Sie nur an Scott Fitzgerald, William Faulkner oder Truman Capote!
Die erste Frau, die musischer Zuneigung teilhaftig wurde, war die Dichterin Sappho (ca. 630 bis 570 v. Chr.), die bis heute als eine der genialsten Lyrikerinnen aller Zeiten gilt, und die Platon die „zehnte Muse“ nannte. Unbelesene Gemüter kennen sie vorwiegend als Begründerin der lesbischen Liebe, obwohl der Mythos behauptet, sie habe sich aus unerwiderter Leidenschaft zum schönen Fährmann Phaon von  den Klippen des Kaps Leukatas in den Tod gestürzt. Wie viele hoch erotischen Frauen empfand auch Sappho vermutlich bisexuell, was ja manche ihrer Verse belegen. – Eine durchaus nachahmenswerte Neigung, da Bisexualität (wie Woody Allen bemerkt), die Chance auf ein Date verdoppelt.

Im 21. Jhdt. beschert uns der Fortschritt den Komfort, Musen buchen zu können – statt sie anbeten zu müssen. Geschäftsreisende Männer und Frauen, die ihre rare Freizeit dazu nutzen wollen, schöpferisch zu entspannen, lassen sich von einer Muse ins Theater oder Konzert oder zum Dinner begleiten: mit der Option auf eine erotische Offenbarung. Doch davon später mehr*.

Dantes Muse war noch minderjährig

Dante Alighieri (1265 bis 1321), Italiens größter Dichter und Schöpfer der „Göttlichen Komödie“ (La Divina Commedia), entdeckte im Selbstversuch, was Sigmund Freud (1856 bis 1939) bahnbrechend als Sublimierung pries: des Menschen Fähigkeit, seine mächtigste Motivation, den Sexualtrieb, zu künstlerischer oder wissenschaftlicher Leistung  umzupolen. Als Dante die achtjährige Beatrice Portinari zum ersten Mal erblickte, verliebte er sich sofort in sie. Und als die Angehimmelte 24jährig starb, machte er sie mit seinem Werk unsterblich. Angefasst Dante er sie nie, ja nicht einmal angesprochen.

Weniger der hohen Minne verpflichtet waren die Motive eines Mathematik-Tudors an der Christ Church University in Oxford, namens Charles Lutwidge Dodgson (1832 bis 1898), der als Lewis Carroll weltberühmt wurde. Als Muse hatte er sich die Tochter des Dekans von Christ Church auserkoren. Auf einer Bootsfahrt mit Picknick inspirierte ihn die dreizehnjährige Alice Liddell zu wundersamen Geschichten, die später als „Alice im Wunderland“ in Buchform erschienen.  Honi soi qui mal y pense!

„Charles Dodgson einen Pädophilen zu nennen, heißt nicht nur, das Wesen seiner Beziehung zu Alice Liddell falsch zu verstehen und herabzusetzen, vielmehr spricht man dieser Zuneigung ihre Komplexität, ihre Tiefe und ihre absolute Besonderheit ab“, plädiert Francine Prose in „Das Leben der Musen“ (2004).  Doch einige Fotos, mit denen Lewis Carroll uns seine kindlichen Muse vor Augen führt, bezeugen einen weniger gewundenen Sachverhalt. Sie zeigen durchaus eine kleine Verführerin und vielleicht auch Verführte (was ja nicht heißt, dass Dichter und Muse sich zu mehr hinreißen ließen als zu blühender Phantasie). Sagen wir: Es war platonische Liebe.

Alice Liddell, 1859. Foto von Charles Dodgson (Lewis Carroll) ©de.Wikipedia.org
Alice Liddell, 1859. Foto von Charles Dodgson (Lewis Carroll) ©de.Wikipedia.org

Chaplins Muse bekam mit 15 ihr Baby

Kaum als „platonisch“ kann man die Liebe von Lillita McMurray und Charlie Chaplin bagatellisieren. 1924 hatte der „König aller Komödianten“ seine junge Muse geheiratet. 19 sei sie bereits, ließ er die Presse berichten, tatsächlich war sie erst 16, bei ihrer Niederkunft 15. Als Lillita 12 war, hatte Chaplin sie kennengelernt, um einen Filmstar „Lita Grey“ aus ihr zu formen. Doch anstatt mit cineastischen Darbietungen beehrt Charlie sie mit zwei Söhnen. Auch beim zweiten Baby ist sie immer noch minderjährig und der geniale Papa bereits 35. Lillita = Lolita? Man muss nicht lange rätseln, wer wohl Vladimir Nabokovs Vorbild zu seinem sarkastischen Roman „Lolita“ gewesen sein mag.

Weil die Eskapade mit Lillita dem genialen „Tramp“ 1 Million Dollar Abfindung und fast seine Karriere gekostet hatten,  legte Chaplin bei seiner späteren Liebeswahl genaueren Wert auf das Timing. Am 14. Mai 1943 heiratete der damals Vierundfünfzigjährige: Oona, die wunderschöne Tochter des Dramatikers Eugene O’Neill (1888 bis 1953) und Ex-Muse des Schriftstellers Jerome David Salinger (1919 bis 2010), Autor des Bestellers „Der Fänger im Roggen“. Oona O‘Neill feierte just am Hochzeitstag mit Chaplin ihren Geburtstag, sie wurde gerade 18.

Dreizehn Jahre jung war Virginia Eliza Clemm als sie am 16. März 1836 den 27jährigen Edgar Allan Poe (1809 bis 1849) ehelichte, den Erfinder der Horror-Stories. Mit dem Musenkuss beschenkte sie ihren Gemahl Genre-typisch als sie 24jährig verblich: Von Trauer und posthumer Begierde beseelt schrieb Poe seine beiden besten Gedichte: „Annabell Lee“ und „Der Rabe“ (The Raven). Zitat: „Sag, wann dies wunderbare Wesen, Leonor, mir wiederkehr! – Krächzt der Rabe: Nimmermehr!“

 Im Ehe-Käfig verkümmern die Musen

„Hinter jedem großen Mann stand immer eine liebende Frau, und es ist viel Wahrheit in dem Ausspruch, dass ein Mann nicht größer sein kann, als die Frau, die er liebt, die ihn groß sein lässt“, so lautet eine Maxime Pablo Picassos (1881 bis 1973). Ihr bleib er treu, nicht seinen Frauen. Fernande Olivier (1881 bis 1966) war bereits Mutter und Ex-Ehefrau als sie das Genie 1904 in Paris kennenlernte. Ihn inspirierte sie als Aktmodell und Muse bis Picasso 1918 die Ballett-Tänzerin Olga Koklowa heiratet. Marie-Therese Walter, die 1927 seine Geliebte wurde, faszinierte Picasso wohl vor allem, weil sie sein weibliches Ebenbild war, ein knollnasig-kraftvolles Vorbild seiner klassizistischen Schaffens-Epoche. Zugleich war er mit der Fotografin und Malerin Dora Maar (1907 bis 1997) verheiratet, deren künstlerische Entfaltung er eifersüchtig zu verhindern wusste. Häufiger Ehekrach beendete diese Verbindung – und beflügelte Picasso zu den besten seiner Bilder: den „weinenden Frauen-Porträts“ einschließlich seinem monumentalen Mahnmal „Guernica“ (1937), das neben den „Desmoiselles d‘ Avignon“ (1907) zu seinen Hauptwerken zählt.

Ab 1943 ist Francois Gilot für zehn Jahre Picassos Muse. Wie die Jungfrau von Orleans, so resümiert Francoise Gilot diesen Lebensabschnitt, habe sie “Tag und Nacht ihre Rüstung tragen” müssen, um sich zu behaupten. Er ließ sie wissen, eigentlich mache es ihm “mehr Spaß, ins Bordell zu gehen”. Warum hatte sie ihn nicht gleich von der Bettkante gestoßen? “Einem Picasso (so die Gilot) kann man sich auf Dauer nicht verweigern, eine Frau ist Picasso gegenüber machtlos.” Nun denn, der Meister selbst hat sich gern als potenzstrotzender Minotaurus gemalt oder als Kampfstier. 1961, da ist er schon 80, verliebt Pablo sich wieder und  heiratet die 46 Jahre jüngere Schönheit Jacqueline Roque (1927 bis 1986). Wie auch Marie-Therese Walter hat sie das Liebesleben mit dem mythologischen Macho durchaus ertragen, nicht jedoch dessen Tod. Beide Musen huldigten ihm posthum durch Suizid. „Es gibt zwei Arten von Frauen“, spottete der Unsterbliche, „Göttinnen und Hausmeisterinnen“. Musen, die heiraten, bleibt diese Metamorphose oft nicht erspart.

Das musste auch Alma Mahler-Werfel (1879 bis 1964) erfahren, nachdem sie mit 22 den 41jährigen Dirigenten und Jahrhundert-Komponisten Gustav Mahler ehelichte. Früher als die zeitgenössische Wiener Kulturszene hatte die studierte Komponistin gewittert, dass der kleinwüchsige und kränkliche Mahler aus musikalischer Sicht ein Titan war. Doch dieser duldete keine fremden Götter neben sich – schon gar nicht eine Göttin. „Wie stellst Du Dir so ein komponierendes Ehepaar vor?“, polterte er in einem Brief von 1901, „Hast Du eine Ahnung, wie lächerlich und später herabziehend vor uns selbst so ein eigentümliches Rivalitätsverhältnis werden muss?“.  Kurz vor der Ehe hatte Alma den großen Gustav noch zu einem Orchesterwerk inspiriert, das 1901 als Adagietto seiner 5. Symphonie und 1976 als Filmmusik zu Luchino Viscontis „Tod in Venedig“ (Morte a Venezia) den Weltruhm des Komponisten beschleunigen sollte. Doch in der Rolle von Mahlers Eheweib wurde der Muse Alma statt ihres Klaviers ein Kinderbett zur Selbstverwirklichung zugewiesen.

Als Alma 1915 den BAUHAUS-Gründer Walter Gropius und 1919 den Dichter Franz Werfel heiratete, war sie gewitzter und auch älter als ihre Ehemänner, die sich dankbar für ihre Musenküsse zeigten. Schon kurz nach Mahlers Dahinscheiden begann sie 1912 eine stürmische Affäre mit Oskar Kokoschka. Ihm, dem ungeschlachten, jedoch künstlerisch wie sexuell äußerst eindrucksvollen Expressionisten, versprach die sinnenfrohe Alma: „Ich heirate Dich, sobald Du ein wirkliches Meisterwerk malst“. Kokoschka kaufte eine Leinwand, größer als ein französisches Bett, und brachte 1914 tatsächlich das beste Bild seines Lebens zustande: „Die Windsbraut“. Aber Alma dachte gar nicht daran, sich von diesem Wilden ans Ehebett fesseln zu lassen, der vor Eifersucht tobte, der ein Drama mit dem Titel „Mörder, Hoffnung der Frauen“ auf die Bühne brachte, und dessen (freilich nur als Provokation gemeintes) Bekenntnis lautete: „Entweder Herrgott sein oder Verbrecher!“

Doch als  Almas Tochter Manon Gropius 1935 an Kinderlähmung starb, bewirkten ihre tränengetränkten Musenküssen erneut ein kreatives Wunder: Franz Werfel setzte der Siebzehnjährigen ein literarisches, Alban Berg ein musikalisches Denkmal. Ihm gelang mit seinem Violinkonzert das schönste und ergreifendste, was die Zwölftontechnik je hervorgebracht hat.

Cosima Wagner (1837 bis 1930), die Tochter des Komponisten und Klavier-Mephistos Franz Liszt, schien in den Augen Richard Wagners (1813 bis 1883) jene Muse zu verkörpern, die er sich lange ersehnte: hochmusikalisch, klüger als die meisten Frauen und Männer ihrer Zeit, selbstbewusst und energisch. Eine Inkarnation der hl. Elisabeth (aus „Tannhäuser“) und der Isolde (aus „Tristan“) mit der Leidenschaft der Venus – wenn möglich. Doch entwickelte sich Cosima keineswegs zur Aphrodite. Sie entpuppte sich stattdessen als Antisemitin und Wegbereiterin Hitlers, in dem sie einen neuen Wotan wähnte. Dadurch geriet auch der Ruf Richard Wagners, des Intellektuellsten aller Komponisten, auf die denkbar schiefste Bahn.

Welche Wohltat für Wagners Selbstverwirklichung waren dagegen die Musenküsse der Mathilde Wesendonck (1828 bis 1902) einer Dichterin, bei der Wagners kühne Kompositionen und seine heißen Liebesschwüre auf offene Ohren trafen! Richard widmete ihr seine „Wesendonck-Lieder“, deren schönstes (mit dem verfänglichen Titel „Im Treibhaus) der  Heißverliebte zum Leitmotiv seiner Oper „Tristan und Isolde“ erkor (Uraufführung 1865).  Hier findet Wagners Liebes-Bekenntnis zu Mathilde seinen Höhepunkt in „Isoldes Liebestod“, der ersten musikalischen Darstellung eines Orgasmus‘.

Elizabeth Siddal, painting by Dante Gabriel Rossetti 1866 © Tate Gallery London
Elizabeth Siddal, painting by Dante Gabriel Rossetti 1866 © Tate Gallery London

Elizabeth Siddal (1829 bis 1862) widerfuhr das Schicksal, vom ebenso begabten wie versponnen englischen Dichter und Maler Dante Gabriel Rossetti zur Muse der Präraffaeliten auserkoren zu werden, einer Künstlergruppe, die sich die Frührenaissance zum Vorbild nahm. „Lizzie“ war Hutmacherin, entstammte der Arbeiterklasse. Doch angeregt durch ihre Porzellan-weiße Haut, ihr hüftlanges, tizianrotes Haar und ihre elegische Anmut, verwandelten die Präraffaeliten das schlichte Mädchen in eine noble Schönheit aus glorreicher Zeit. Für sie war „Lizzie“ mal Shakespeares Ophelia, mal Beatrice, die jung verblichene Liebe Dantes, mit dem Rossetti (aller Bescheidenheit abhold) sich selbst gern identifizierte.

Als sie 17 wurde und er 22, heirateten sie, erkannten jedoch bald, das Wahn und Wirklichkeit eine schlechte Basis für Eheglück sind. Folglich ertrank er seinen Kummer in Alkohol, sie in Labdanum, einer Opium-Tinktur, an der sie 33järig starb. Rossetti, der auch ein guter Geschäftsmann war, ließ seine Muse samt seiner Sonette begraben und verbreiten, dass sie ihm allnächtlich erscheine. 1869 beorderte er seinen Agenten Charles Howell, das Grab heimlich zu öffnen, seine Manuskripte zu retten und das Gerücht zu streuen, die Leiche der schönen Elizabeth sei noch immer nicht verwest und ihr Haar, das weitergewachsen sei, habe den gesamten Sarg ausgefüllt. Dem nicht genug, schuf der Meister ein neues Meisterwerk: „Beata Beatrix“ (1863-1870) verklärt die Geliebte mal wieder als Dantes Beatrice.

Küssen kluge Musen besser?

Kann Frida Kahlo (1907 bis 1954) als Muse des mexikanischen Malers Diego Rivera (1886 bis 1957) gelten? Oder verlief der kreative Impuls eher umgekehrt?

Zu beider Lebzeiten galt Rivera zwar als Lateinamerikas bedeutendster Maler, Pablo Picasso durchaus ebenbürtig. Doch wenn man heute von ihm spricht, dann meistens vom Ehemann der Frida Kahlo. Als beide 1929 heirateten, war sie eine 22jährige Medizinstudentin, er (doppelt so alt) bereits Mexikos lebendes Nationaldenkmal. Durch einen Straßenbahnunfall, bei dem sich eine Schiene in Fridas Unterleib bohrte, wurde ihr die Mutterschaft auf immer verwehrt. Diego jedoch lehrte sie, trotzdem fruchtbar zu sein: als Künstlerin. Dafür motivierte Frida, die als engagierte Kommunistin galt, ihren Diego zu monumentalen Wandgemälden im Namen Mexikos, der Freiheit und der Partei.

Der Öffentlichkeit erschien sie als das zarte „Täubchen“, er als der „Elefant“, der sie zu erdrücken drohte, und der sie bei jeder Gelegenheit mit anderen Frauen betrog – sogar mit Fridas Schwester Christina. Im Gegenzug ließ Frida, die keineswegs den Keuschheitsgürtel trug, auch ihrer Lust freien Lauf. Zu Ihren Geliebten zählten stets ältere Herren mit Hang zur Unsterblichkeit wie die Dichter André Breton und Pablo Neruda, der Bildhauer Isamu Noguchi, das Film-Genie Sergej Eisenstein, der Kunstsammler Heinz Berggruen wie auch Josef Stalins Gegenspieler Leo Trotzki („Ein stürmisches Weib!“).

Vaginaler Sex blieb der Schmerzensfrau Frida gewiss versagt. Doch finden sich ja, falls Fortpflanzung nicht unbedingt Ziel der Übung sein soll, durchaus raffiniertere Spielarten der Sinnlichkeit. Entsprechend genoss Frida auch die Liebe zu Frauen: u.a. den Filmstars Dolores del Rio und Paulette Godard, sowie der schönen Tina Modotti, Muse des renommierten Foto-Künstlers Edward Weston, die selbst eine bemerkenswerte Foto-Reporterin war. Sicher erinnern Sie sich an die hinreißende Szene in Julie Taylors Spielfilm „Frida“ (2002), in der Salma Hayek (als Frida Kahlo) und Ashley Judd (als Tina Modotti) den erotischsten Tango der Kino-Geschichte aufs Parkett legen.

„Wir sind bloß Lehmklumpen im Vergleich zu ihr. Sie ist die größte Malerin dieser Epoche“, resümierte Diego Rivera. Unzweifelhaft jedoch war das fragile Mädchen in der Tehuana-Tracht eine sehr, sehr starke Frau.

„Lou ist scharfsinnig wie ein Adler, mutig wie ein Löwe und zuletzt doch ein sehr mädchenhaftes Kind“, so beschreibt Friedrich Nietzsche die junge Schriftstellerin Lou Andreas-Salomé, der er 1882 in Rom begegnete. Wie sein Philosophen-Freund Paul Rée (1849 bis 1901), so war auch Nietzsche (1844 bis 1900) von der 21jährigen russisch-deutsch-dänischen Schönheit zunächst begeistert, dann berauscht und schließlich völlig benebelt. Lou, diese bezaubernde Circe, verstand es, hochgebildet und charmant wie sie war, klugen Männern bis zur Verzweiflung den Kopf zu verdrehen. „Heute Abend werde ich so viel Opium nehmen, dass ich die Vernunft verliere …“ stöhnt der liebestolle Nietzsche. Eine emanzipiert Frau, die nicht verführbar ist, sondern selber verführt, war für die Epoche des ausgehenden 19. Jahrhunderts eine schockierende Lebenserfahrung. So etwas hatte man bislang nur in der Oper ertragen müssen: in George Bizets „Carmen“ (Uraufführung 1875 in Paris).

„Diese dürre, schmutzige, übelriechende Äffin mit ihren falschen Brüsten – ein Verhängnis!“, tobte Nietzsche wider besseren Wissens und Begehrens. Nahezu gleichzeitig bekennt er seinem Freund Rée: “Wir sind Freunde, und ich werde dieses Mädchen und dieses Vertrauen zu mir heilig halten. – Übrigens hat sie einen unglaublich sicheren und heiligen Charakter“. Lou hatte Nietzsche ja inspiriert, seinen „Zarathustra“ (1883-1885) zu verfassen, der also sprach: „Wenn Du zum Weibe geht’s, vergiss die Peitsche nicht“. Ein Foto aus gleicher Zeit belegt allerdings, dass Lous es war, welche die Peitsche schwang.

Lous Andreas Salome mit Paul Rée und Friedrich Nietzsche, unbekanntes Foto-Atelier, Zürich 1882
Lous Andreas Salome mit Paul Rée und Friedrich Nietzsche, unbekanntes Foto-Atelier, Zürich 1882

Als Lou, bereits 36jährig, in München den 21 Jahre jungen René Maria Rilke kennen lernte, den sie Rainer nannte, umwarb sie den „Schüchternen mit den schönen Augen“ sowohl mit Worten wie auch mit Taten. Rilke war vorher noch Jungfrau, anschließend nicht mehr. Lou verbesserte den Stil von Rilkes frühen Schriften und ermunterte ihn, Russisch zu lernen, um Tolstoi und Turgenjew im Original zu lesen. Zur Jahrhundertwende unternahmen beide zwei Russlandreisen. „Durch Dich will ich die Welt sehen!“, schrieb er, „Denn dann sehe ich nicht die Welt, sondern immer nur Dich, Dich, Dich …“. Bei so viel Liebe hatte Lou sich bald an Rainer satt gesehen, zumal dieser immer anhänglicher wurde und seine Angebetete mit Weinkrämpfen nebst „Angstverfassungen und körperlichen Anfällen“ nervte, sodass sie sich um seine psychische Gesundheit Sorgen machte – wie sie in ihrem Lebensrückblick notierte.

Sich um die Psyche anderer zu sorgen, das erwies sich tatsächlich als die stärkste Begabung der Lou Andreas-Salomé. 1911 erlebte sie in Schweden ein intensives Liebesabenteuer mit dem 15 Jahre jüngeren Nervenarzt Poul Bjerre, der sie mit Sigmund Freud (1856 bis 1939) bekannt machte. Freud, fünf Jahre älter als Lou (1861 bis 1937) und immer noch in seinen besten Jahren, sublimierte die sexuelle Attraktivität, die Lou nach wie vor ausübte, zu fachlichem Interesse. – Was ihm Kummer ersparte und wertvolle Erkenntnisse bescherte: „Die letzten 25 Lebensjahre dieser außerordentlichen Frau gehörten der Psychoanalyse an, zu der sie wertvolle wissenschaftliche Arbeiten beitrug, und die sie auch praktisch ausübte. Ich sage nicht viel, wenn ich bekenne, dass wir es alle als eine Ehre empfanden, als sie in die Reihen unserer Mitarbeiter und Mitkämpfer eintrat …“.

Dass seine Muse auch mit den Theorien seiner Konkurrenten C.G. Jung und Alfred Adler liebäugelte (eine Todsünde aus freudscher Sicht), übersah er bei der schönen Lou gnädig.

Sinn und Sinnlichkeit moderner Musen

Weltberühmt wurde Anaïs Nin (1903 bis 1977) durch ihre Tagbücher und ihre erotischen Selbstenthüllungen. Zu ihrem posthumen Leidwesen würde ich sie trotzdem keine große Schriftstellerin nennen – aber eine große Muse. Die junge Kosmopolitin, die ihre Kindheit und Jungend in Havanna, Paris, Berlin, Brüssel, Barcelona und New York erlebte, traf mit Ihrem Ehemann, dem Bankier und Kunstmäzen Hugh „Hugo“ Guiler 1931 in Paris den ehrgeizigen aber noch unbekannten US-Schrifteller Henry Miller (1891 bis 1980) und dessen Frau June. Aus der spontanen Ménage à trois zwischen June, Henry und Anaïs entwickelte sich die bis dato wüsteste Bettgeschichte der Literaturgeschichte.

Beide waren begeisterte Leser der Romane von D.H. Lawrence (u.a. „Lady Chatterley’s Lover“), der seine These verfocht, dass nur hemmungslose Sexualität die gesellschaftlichen Zwänge sprengen könne. Schon mit Millers Roman „Wendekreis des Krebses“ (1934) bewiesen der Meister und seine beiden Musen, dass  sie die besseren Sprengmeister waren. Der Roman wurde sogleich in den USA und in England wegen Obszönität verboten, was ihn dauerhaft auf die Bestseller-Listen katapultierte.

Mehr noch als durch ihre orgiastischen Offenbarungen beflügelte Anaïs den aufsteigenden Autor vor allem darin, seine Schamlosigkeiten schriftstellerich zu Papier zu bringen. Sie diskutierte alle Passagen mit ihm, las Korrektur, verfasste ein Vorwort, lieh ihm ihre Schreibmaschine und übernahm die Druckkosten. Miller, von Sex und Success berauscht, schrieb weiter: „Schwarzer Frühling“ (1936) und „Wendekreis des Steinbocks“ (1939), Werke, in denen Phallisches und Philosophisches sich ergänzen. In „Stille Tage in Clichy“ (1956) schildert er jene Abenteuer, die ihm wie die Erstbesteigung des Mons veneris vorgekommen sein mögen. Er konstatiert: “Sex is one of the nine reasons for reincarnation. The other eight are unimportant.”

Anaïs Nins Erlebnisse finden Sie in 15 Tagebüchern (1914 bis 1974) ausgebreitet, vornehmlich in ihrem „intimen Tagebuch: Henry, June und ich“ (1931 bis 1932). Sicherlich war sie keine Autorin vom Rang der Marguerite Duras „Der Liebhaber“. Sie selbst bekennt mit kluger Zurückhaltung: „Die Rolle der Muse im Mythos war immer die der Inspiration“.

Zielsicher lenkte die 23jährige Amerikanerin Lee Miller 1929 ihre Schritte ins Pariser „Bateau Ivre“, um Man Ray ihre Mitarbeit anzubieten. „Nein, danke“, er brauche keine Praktikantin und sei zudem gerade im Begriff, zu verreisen. Tief blickte die schöne Lee in die Glubschaugen ihres künftigen Lehrmeisters und entgegnete keck: „O.K., dann komme ich mit“. Drei Jahre lang blieben beide ein Paar. Sie diente ihrem 17Jahre älteren Landsmann als Assistentin, Modell, Muse und Geliebte. Dieser, ursprünglich ein Maler, profitierte nicht zuletzt auch von der technischen Versiertheit der studierten Fotografin: Als Man Ray in der Dunkelkammer versehentlich Licht auf unentwickelte Negative fallen ließ, experimentierte Lee so lange mit ihm, bis sich das anfängliche Missgeschick in einen Musenkuss verwandelte. Die Idee der „Rayographie“ war geboren, durch die Man Rays Fotos unverwechselbar wurden. Die Elite des Montparnasse – von Marcel Duchamp bis Pablo Picasso – nahm Man Ray (der ursprünglich Emmanuel Radnitsky hieß) prompt in ihren Kreis auf. Er war der erste Fotograf, dessen Arbeiten man den Rang von Kunst zusprach.

Doch ließ sich Man Ray, der unersättliche, auch von anderen Musen und Modellen küssen, etwa von der androgynen Künstlerin Meret Oppenheim (1913 bis 1985) und der quirligen „Kiki de Montparnasse“ (Alice Prin, 1901 bis 1953). Als Modelle verhalfen ihm beide zu effektvolleren Bildern („Le Violon d‘ Ingres“ mit Kiki wurde Man Rays teuerstes Werk), da Lee Millers Schönheit schon so vollkommen wirkte, dass Kunst ihr kaum noch etwas hinzufügen konnte. Eine Ausnahme bildet jenes Doppelporträt, das Lee wie ein minderjähriges Mädchen auf dem Schoß ihres unerbittlich dreinblickenden Vaters zeigt (dessen sexuelles Opfer sie als Siebenjährige wurde).

Lee jedoch war bereits schon vor ihrer Bekanntschaft mit Man Ray ein gefragtes Mode-Model in der VOGUE und in VANATY FAIR. Und nach ihrer Trennung entwickelte sie sich zur begehrten Modefotografin und Foto-Künstlerin. In Jean Cocteaus Film „Le sang d’un Poète“ spielte sie die weibliche Hauptrolle.  Den Höhepunkt ihres Schaffens erreichte sie jedoch als Fotoreporterin im Zeiten Weltkrieg u.a. mit erschütternden Dokumenten aus den Konzentrationslagern Buchenwald und Dachau.

Nachdem Lee Miller 1947 den surrealistischen Künstler, Kunsthistoriker und Publizisten Sir Roland Penrose (1900 bis 1984) geheiratet hatte, mit ihm auf eine englische Farm gezogen und Mutter geworden war,  entsagte sie eigener künstlerischer Aktivität. Lee, die sich in Ihren späten Jahren zu einer exzellenten Köchen und Gourmet-Autorin entwickelte, inspirierte ihre Künstler-Gäste (u.a. Max Ernst, Paul und Nusch Éluard, Kurt Schwitters, Antoni Tàpies und nicht zuletzt Man Ray) nunmehr durch Feinschmecker-Freuden.

Yoko Ono (* 18. Februar 1933 in Tokio) machte sich dringend folgender Taten verdächtig: Hätte sie John Lennon (1940 bis 1980) niemals als Muse beglückt, wäre dieser 1. nicht als Künstler unsterblich geworden; und 2. seine Ermordung am 8. Dezember 1980 hätte vermutlich nie stattgefunden. Denn Yokos Musenküsse haben das Wirken ihres Beatles dermaßen beflügelt und verändert, dass aus dem  beliebten aber banalen Pop-Barden ein Mahner, Prediger und Aufrührer wurde.

Gleich nach ihrer Hochzeit am 20. März 1969  inszenierten Yoko und John ihr erstes „Bed-In“, eine Public Relation-Kampagne für den Frieden. John: „Da unsere Flitterwochen sowieso öffentlich sein würden, beschlossen wir, sie zu nutzen. Wir saßen im Bett und redeten mit den Reportern“. Beim zweiten Bed-In im Mai 1969 nahmen sie zudem ihre Single „Give Peace a Chance“ auf. Und an Weihnachten organisierte das engagierte Paar die Poster-Kampagne „War is over – if you want it!“ Beseelt von der These des Psychotherapeuten Wilhelm Reich (1897 bis 1957),  dass Sex und ungehemmte Liebe zur Nächstenliebe und zum  Weltfrieden, ja zur Weltrevolution führen können, hat das Paar zahlreiche liberale und radikale Bewegungen gefördert: Sie setzten sich u.a. für den Rückzug amerikanischer Truppen aus Vietnam ein, sowie für die Bürgerrechte farbiger US-Amerikaner und Indianer, auch für die Black Panthers.

Sogar musikalisch hat Yoko ihren John inspiriert – wenn nicht gar indoktriniert. Schon das 1968 erschienene „White Album“ zeigt ihren Einfluss. Und der Jahrhundert-Titel „Imagine“ erweist sich unverkennbar als Geisteskind der beiden. Nach Paul McCartneys Auskunft wollte er die Auflösung der Beatles (1971) nicht Yoko anlasten. Tatsächlich hatte John Lennon in der Zusammenarbeit keine Erfüllung mehr gefunden. Seine Sinnkriese manifestierte sich zunächst durch Rauschgiftkonsum, dann in der spirituellen Hinwendung zu einem indischen Scharlatan-Guru. Zwar hatte seine Beatle-Epoche ihm Ruhm und Reichtum eingebraucht, doch nicht seinen Hunger nach Relevanz stillen können. „Eine größere Fan-Gemeinde zu mobilisieren als Jesus“, war ihm kein wünschbares Ziel mehr, als er die Trivialität seines Tun erkannte: „Ich hasse es, für Idioten aufzutreten, die von nichts und wieder nichts eine Ahnung haben“.

Einer dieser Idioten namens Mark David Chapman ließ sich vor dem New Yorker Dakota Building (in dem nach wie vor Yoko Ono wohnt) von John eine Schallplatte signieren und erschoss ihn danach.

Neben Genies, Übermenschen und Egomanen kann kein dauerhaftes Glück gedeihen, schon gar nicht das einer feinfühligen Muse. Deshalb sind Musenküsse flüchtig, ihre Ehen instabil. Als die Britin Jane Birkin (*1946) in Paris auf den Literaten und Leichtfuß Serge Gainsbourg (Lucien Ginsburg, 1928 bis 1991) traf, entwickelte sich eine „Amour en passant“, beschienen vom Glück des Vergänglichen.

Die Liaison begann mit einem Chanson, das Gainsbourg für seine Verflossene, Brigitte Bardot, getextet und komponiert hatte. Doch das Sex-Idol, damals bereits mit Gunther Sachs verheiratet und auf dem Weg ins betuliche Großbürgertum, nahm Anstoß an Gainsbourgs Anzüglichkeiten. „Je t’aime … moi nun plus“ („Ich liebe Dich — ich Dich auch nicht“, 1969) schildert charmant aber schamlos das Liebesgeflüster eines Paares beim Ficken. Jane, die mehr einer Oberschülerin als einer Sexbombe glich, lieh dem Liedchen ihre Kleinmädchenstimme. Dieser frivole Funke entfachte ein Lauffeuer. Flammen der Begeisterung bei der gebildeten Jungend, die von Beat und dümmlichem Bum-Bum nichts mehr hören wollte. Und ein Höllenfeuer des Fanatismus bei all den sogenannten Rechtschaffenen und Frommen, denen die Vorstellung von Sex mehr Abscheu einflößte als selbst die Shoah.

Der Vatikan exkommunizierte den Produzenten der Platte, zahlreiche Radio-Sender verweigerten die Ausstrahlung. Doch „Je t’aime“ verkaufte sich über eine Million Mal, Jane und Serge waren plötzlich berühmt. 1975 drehten Gainsbourg und Birkin einen Film mit gleichem Titel für alle, die nicht nur zuhören, vielmehr auch zusehen wollten. Das Paar wurde zum Liebling der Intellektuellen von Saint- Germain, bald auch einer weltweiten Jeunesse-dorée, die nach Leichtigkeit ohne Seichtigkeit lechzte.

Mit „La décadence“ setzte das Duett seine erfolgreichen Frivolitäten fort. Im gleichen Jahr folgte mit „Histoire de Melody Nelson“ das erste Konzertalbum. Die weiteren Erfolge blieben auf Frankreich begrenzt: u.a. „Baby alone in Babylone“, „Les Dessous chics“ und „Fuir le bonheur“.

Nach der Trennung von Gainsbourg spielte Jane Birkin in Filmen, die ihr bei Cineasten Bewunderung einbrachten: u.a. unter der Regie von Agnès Varda, Jacques Rivette und ihrem späteren Mann, Jacques Doillon. Nach Serges Tod 1991 singt Jane im Casino de Paris ein Chanson, das an ihre gemeinsame Liebe erinnert. Es beginnt so: „Amour cruel – comme en duel“ („Grausame Liebe – wie im Duell“).

Notabene: Da Deine Muse Dir zugeneigt ist, wird Sie Dir viele Wünsche erfüllen – nur nicht die Ehe.

Greta Brentano

Dieser Text enthält bis auf jene durch „Anführungszeichen“ markierten Zitate keine wörtlichen Wiedergaben anderer Publikationen.

Zur vertiefenden Lektüre empfehle ich folgende Bücher:

Francine Prose „Das Leben der Musen“ © 2004 Nagel & Kimsche im Carl Hanser Verlag München und Wien

Annette und Luc Vezin „Musen des Jahrhunderts“ (Egérie dans l’ombre des créateurs) /C) 2002 Édition de La Martiniére, www.knesebeck-verlag.de

Farid Abdelouahab „Muses: Women Who Inspire“© 2012 Flammarion – amazon

 

Zwölf ebenso anmutige wie einfühlsame Musen der Gegenwart finden Sie unter: www.greta-brentano.de und www.greta-brentano.com

 

 

Jung und schön


„Jung und Schön“ – dieser Film von Francois Ozon

handelt von einer jungen Hure.

Kunst? Kitsch? Lüge oder Wahrheit?

Lesen Sie, was eine junge Hure dazu sagt:

Heute war ich* mit meiner Gefährtin Gwendolyn Nightwood im Kino. Wir wollten uns mal den neuen Film von Francois Ozon anschauen.

Wollten sehen, wie ein Monsieur Ozon uns sieht. Sehen – schauen – anschauen – sich an einem Anblick weiden, sich in Betrachtung versenken… für viele Konsumenten dieses Films wird, das war uns schon beim Betreten des Kinos klar, das Gaffen die Hauptmotivation sein, das delektierende Anstarren der Bilder, die Hoffnung auf einen Pornofilm in Spielfilmlänge und mit der sittlichen Legitimation frankophilen Kultur-Cinéasmus.

Solche Hoffnungen haben, ganz allgemein, ja ihre Berechtigung – ob dieser Film sie zu befriedigen vermag, kann ich nicht sagen. Voyeurismus ist eine sensible Passion. Objekt des Voyeurismus zu sein, oder sich einzufühlen in das Objekt der Betrachtung und der Begierde, ist auch eine Form des Voyeurismus, aber eine, die den Narzissmus einschließt. Lustvolle Selbst-Beobachtung. Wie beim Sex vor dem Spiegel.

Isabelle, Ozons Protagonistin, hat in einer Szene Sex vor einem Spiegel. Auch Gwendolyn und ich machen so etwas gelegentlich. Und wie bei Isabelle, ist unser promiskes Dasein nicht damit erschöpft, dass wir uns von Voyeuren anschauen lassen (und was sonst noch dazu gehört) – wir selbst sind auch Voyeure, Voyeurinnen unserer hingebungsfähigen Körper, und somit mehr als bloße Objekte. Kontrollierte Selbst-Objektivierung ist unser Tun. So wie Isabelle, die bei ihrer Entjungferung aus ihrem Körper heraustritt und das Geschehen aus einigen Schritten Abstand betrachtet, mit kühlem Interesse.

Ich finde, das hat der Herr Ozon recht aufmerksam beobachtet.

Wohlmöglich versteht er Frauen wie uns, oder beinahe wie uns: abgesehen von dem im Film wenig bedeutenden Unterschied, dass die junge Isabelle sich in der Illegalität bewegt (erstens, weil Prostitution in Frankreich leider verboten ist, zweitens, weil sie erst 17 ist), sind ihre Erfahrungen den unseren sehr ähnlich.

Ich würde sagen, es ist ein sehenswerter, anschaulicher Film. Man darf sich getrost eine Kinokarte kaufen, wenn man wissen möchte, wie es so ist – was es ist, was wir in unserem Beruf meistens so tun. Und was ihn so reizvoll für uns macht: Der immer wiederkehrende Moment, wenn wir auf einen Fremden treffen, von dem wir nichts wissen, außer, dass er uns begehrt.  Das Herzklopfen kurz nach dem Betreten des Hotelzimmers, die Aufregung des Fremden, die uns ehrt. Die Magie des Entkleidens. Die ersten Berührungen, bevor die Körper verschmelzen. Und das Danach, das sich harmonisch anfühlen kann und wärmend, oder aber unsereins mit kühler Selbstgewissheit erfüllt. Oder mit süßer Melancholie. Das wohlige Duschen nach dem Akt. Die Rückkehr in die Welt der normalen Menschen, während wir ein köstliches Geheimnis in uns tragen, das uns Stärke schenkt.

Es ist etwas, das ich jeder Frau wünsche. Und eine Situation, in der jede Frau sich selbst einmal beobachten sollte, wenn ihr an ihrer weiblichen Raffinesse gelegen ist.

Der Reiz des Films aber bestand für mich nicht in seiner angenehm unaufgeregten Dokumentation solcher Szenen – sie sind für mich nichts Neues, kaum der  Rede wert. Ich persönlich käme nicht auf die Idee, sie für mitteilenswert zu halten  – aber das mögen die meisten Menschen anders beurteilen.

Das wirklich Überraschende im Film war das Verhältnis der Frauen zu einander.

Das Verhältnis von Mutter und Tochter. Es ist anders als bei mir. Isabelle hält ihre Tätigkeit geheim. Und auch, als es herauskommt, spricht sie mit ihrer Mutter nicht darüber. Die Mutter schlägt ihre Tochter, ist außer sich, sie empfindet Ekel und Verachtung. Sie ist so lasterhaft, klagt sie, während ihr Ehemann das Offensichtliche erkennt: Isabelle ist wunderschön. Diese schlichte Wahrheit aber ist nicht das, was die Mutter hören möchte. Handelt es sich um einen klassischen Schneewittchen-Konflikt? Ist die Mutter eifersüchtig auf ihre Tochter, die sie zur Staffelübergabe in Sachen weiblicher Begehrlichkeit zwingt?

Vielmehr ist es ist das Drama der Mutter-Kind-Symbiose, die von Seiten des Kindes aufgekündigt wird. Eine Symbiose, die vielleicht schon lange nicht mehr gilt, aber von der Mutter als Selbstverständlichkeit angesehen wurde. Das „eigene“ Kind, das „eigene Fleisch und Blut“, wird von der Mutter als Teil ihrer Selbst beansprucht. Als Bestandteil ihrer Selbstdarstellung, als ausgelagerter Teil ihres Ego. Die Tochter ist zur Mutter gehörig wie ein Abbild ihrer selbst, ihr Spiegelbild. Wenn nun das „eigene“ Kind ein Eigenleben entwickelt, und zwar eines, was sich so gänzlich von dem Leben, ja selbst der Vorstellungskraft der Mutter unterscheidet, wenn das „eigene“ Kind zum Fremden wird, oder, wie man´s nimmt, zu einem Menschen mit Anspruch auf Autonomie – dann ist das für eine solche Mutter unerträglich. Sie verliert die Orientierung, ist gezwungen, das schöne Spiegelbild zu ersetzen durch ein mehr realistisches, das sie auf sich selbst reduziert, als Bilanz vieler Jahre aufopferungsvoller Erziehung und unwiederbringlicher Jugend. Es ist das Drama des Verrats.

Und dann ist da noch Charlotte Rampling. Noch eine Frau, aber eine, die ganz anders ist. Die Würde, die Selbstsicherheit in Person. Sie spielt die Ehefrau eines Kunden, des Stammkunden von Isabelle, desjenigen, der beim Liebesakt unter ihr eines Todes stirbt, um den ihn viele Männer beneiden dürften (eine Szene, die weder ich noch Gwendolyn bisher erlebt haben).

Diese Frau nun möchte diese Léa kennenlernen, die ihren Mann als letztes gesehen hat. Und sie möchte mit ihr in das Hotelzimmer gehen, in dem sich die beiden regelmäßig trafen. Ohne jeden Vorwurf, ohne die geringste Spur von Eifersucht, ohne Hass oder Rachegedanken. Sie lässt sich leiten von der wunderbaren menschlichen Regung vorurteilsfreier Neugier, wirklicher Offenheit und dem Wunsch, zu verstehen. Mit dieser Empfehlung würde ich jeden auffordern, diesen aufschlussreichen Film zu schauen.

Oder, noch besser, falls Sie über das nötige Taschengeld verfügen: ein Treffen mit einer von uns glücklichen Frauen zu wagen, seien Sie nun ein Mann oder ebenfalls eine Frau.

Und falls Sie Charlotte Rampling sind: Sie, Madame, sind es, von der ich träume, manchmal, in der süßen Melancholie des Danach.

Text: © Salomé Balthus

„Jung und schön“ läuft ab Mitte November 2013 in deutschen Kinos.

Buch & Regie François Ozon
Produzenten Eric & Nicolas Altmayer
Kamera Pascal Marti
Originalmusik Philippe Rombi
Ton Brigitte Taillandier
Herstellungsleiter Sylvain Monod
1. Regieassistent Jérôme Brière
Casting Sarah Teper, Leïla Fournier
Ausstattung Katia Wyszkop

Das „Les Solistes“ beflügelt die Sinne

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Caesar van Everdingen „Bacchus mit Nymphe und Cupido“ 1660 © Gemäldegalerie Dresden
Caesar van Everdingen „Bacchus mit Nymphe und Cupido“ 1660 © Gemäldegalerie Dresden

Auch montags lässt sich lustvoll leben

Mein Gast hatte Lust auf ein Sterne-Menü, das diesen Namen wirklich verdient.  In Berlin kein Problem, sollte man meinen. Doch es war Montag, der offizielle Ruhetag der gehobenen Gastronomie.

Das „Fischer’s Fritz“ im Hotel Regent hat theoretisch zwar montags geöffnet, doch praktisch ist die 2-Sterne-Kulinarik des Christian Lohse derart begehrt, dass ich ad hoc dort keinen Tisch mehr bekam. Doch beim „Les Solistes “ im neuen Waldorf-Astoria“ winkte uns neben dem Zufall freier Plätze auch das wahre Glück für jeden Genießer.

Mein Gast ließ einem orientalischen Brauch folgend alle Gerichte gleichzeitig auftragen, sodass wir unserer Probierlust freien Lauf lassen konnten. Wir hatte Langustine, Wolfsbarsch, Seezunge, Hummer und maritimes Sommergemüse, dazu einen Gevrey-Chambertin Grand Cru von 1990. Alles vom Feinsten.

Und so unspektakulär ihre Speisekarte auch aussehen mag (man findet hier die besten Zutaten wie in allen Nobel-Herbergen), Gagnaire und Lintermans erweisen sich als ganz und gar außergewöhnliche Erfinder eines neuen Kochstils, der sich von prätentiösen Spielereien rigoros verabschiedet.

Was hier auf den Teller kommt, duftet mit voller Wucht, hat Geschmack und Biss wie in einer Provenzalischen Brasserie. Wolfsbarsch, Hummer, Seezunge, Langustinen und Austern sind fangfrisch und voller Meeresaroma, als kämen sie direkt vom Kutter. Das Können der Köche besteht nun darin, solche herzhaften Geschmacksnoten  auf überraschende, ja manchmal tollkühne Weise zu kombinieren.

So delektierten wir uns an Loup de Mer, deftig vereint mit knusprigen Ziebelringen, Bohnen und Karotten, Taschenkrebs und geliertem Fenchel zu Bayrisch Crème. Die Langostine kommt einmal ganz bodenständig als „Terre de Sienne“ aus der Panne mit Georgpilz und Mandeln, dazu in der Variation als Terrine mit Algen, Chicoree, Lauch und Sake, sowie schließlich auch als Tartar mit Koskosnussmilch und Limette.

Mein Gast, ein Lust-Esser, der sich keine Gelegenheit entgehen lässt, die Gourmet-Tempel von New York bis Singapur zu erkunden, war von der raffinierten Einfachheit des „Les Solistes“ ebenso überrascht und begeistert wie ich. Allein schon der Genuss wäre hier ein Gesprächsthema.

Was uns aber noch viel mehr gefällt: Das Essen und Trinken wird im „Les Solistes“ nicht als heilige Handlung zelebriert. Man kann es mit gelassener Beiläufigkeit genießen, um sich als Liebespaar für den späteren Verlauf des Abends aneinander Appetit zu holen.

Unaufdringlich und unsichtbar gleiten die Kellner am Tisch vorbei, sodass wie durch Zauberhand die Gläser nachgegossen werden und zur rechten Zeit neue Flaschen auf dem Tisch stehen. Doch keiner durchbricht den Kokon der Intimsphäre der Gäste, die in Gespräche und vielsagende Blicke vertieft sind. Dank deshalb nicht zuletzt dem Zaubermeister, Maître Vedad Hadziabdic, der mir schon in seiner früheren Wirkungsstätte, dem „Aqua“ im Ritz Wolfsburg aufgefallen war.

In Nuce: Sollten Sie Ihre Berlin-Reise durch ein exquisites Essen krönen, diesen Abend aber nicht in Einsamkeit erleben wollen, sondern mit einer Frau, die Ihre Sinne weckt und beflügelt (und sich mit feiner Küche und edlen Weinen auskennt), so empfehle ich mich als Begleitung – oder eine der insgesamt 12 Musen von Greta Brentano® www.greta-brentano.de

Ich reserviere gerne einen Tisch für Sie.

Herzliche Musenküsse, (Kisses by Muses)

Sharon Novalis

Meine Restaurant-Empfehlungen:

„Les Solistes by Pierre Gagnaire“ im Waldorf-Astoria www.waldorfastoriaberlin.com/deu/Restaurants-Lounges/LesSolistes

„Tim Raue‎“ (2 Sterne)   www.timraue.com

„Fischers Fritz“ (Christian Lohse, 2 Sterne) im Hotel Regent  www.fischersfritzberlin.com

„Facil“ im The Mandala (Michael Kempf, 2 Sterne) www.facil.de

„Reinstoff“ (Daniel Achilles, 2 Sterne) www.reinstoff.eu

 


Gastronomie-Führer, die ich empfehle:

„Four – The World’s Best Food Magazine” www.fourmagazine.com

“Sternefresser” www.sternefresser.de

“Die besten Hotels der Welt” von Heinz Horrmann  www.heinzhorrmann.info/news/die-10-bestenhotels-weltweit